Quem foi que pintou II

Vamos ao próximo quiz? Veja as duas obras abaixo. Observe que para que o desafio tenha graça, apaguei a assinatura em cada uma das obras.

Pois bem, quem foi que pintou?
Gauguin? Hã? Não, não foi ele não. Foi Émile Bernard, pintor também francês que lhe apresentou, em 1888, na Bretanha, ao Clousonismo, estilo de pintura em que as formas são delineadas por linhas escuras que as cercam e dão um tom decorativo. Veja na segunda obra as grandes extensões de laranja e vermelho que Gauguin, depois, começou também a se utilizar.
Gauguin também foi influenciado por Pissarro, como pode ser visto em suas obras produzidas na época em que os dois pintores estiveram mais em contato.
Ou seja, a história da arte é feita destes episódios de antropofagia cultural, em que os artistas se influenciam, fazem trocas inconscientes e até se acusam de plágio, quando na verdade tudo isto não passa de um processo natural.

p.s.1. Para registro, a primeira imagem é da obra "Mulheres Bretãs em um Pasto Verde", sendo a segunda da obra "Ceifeiras de Trigo em Pont-Aven".

p.s.2. E por falar em influências, esta obra de Émile Bernard

não lembra

Demoiselle D'Avignon de Picasso? 

Será que aqui também, apesar da disparidade de escolas, não houveram também influências? Hum...

Quem foi que pintou?

Veja a obra abaixo. Você saberia dizer quem pintou?

E esta?

Posso garantir que são obras de dois pintores famosos...
Vamos, não sabe?
Pois bem, a primeira obra é de Picasso (Retrato da Mãe do Artista, 1896), e a segunda é de Gauguin (Estudo de Nu, ou Suzanne Costurando, 1880).
Difícil de acreditar, inda mais se comparamos com as obras abaixo, já designativas da madureza de cada um destes gênios da pintura.

Picasso - Demoiselle D'Avignon - 1906

Gauguin - Visão Após o Sermão - 1888

Picasso, nesta obra (Demoiselle D'Avignon), rompe com toda a sua trajetória até então e inaugura a sua fase madura, decompondo as figuras de uma forma que posteriormente ficou conhecida como o Cubismo.
Já Gauguin, na obra que é considerada o início do movimento simbolista, rompe com as convenções de profundidade ainda algo respeitadas pelos Impressionistas, e se lança numa aventura onde a utilização de vermelhos e laranjas se torna farta, assim como a delimitação das figuras, em boa parte das vezes através de linhas negras.
Esta evolução espantosa dos artistas - Picasso passou pelas fases Azul e Rosa antes de se projetar com a sua fase definitiva - é o que chamamos de busca da própria "Voz", o que vem definir a identidade e singularidade da própria obra.
Esta busca é dolorosa, e as vezes infrutífera. Muitos tentam ser novos e terminam no cemitérios dos sempre-iguais. Importa é buscar o eu-mesmo, em anos de labuta e de estudo para domínio da técnica, até que um dia esta identidade aflore.
Se a sua obra se instala no cenário como algo novo, é uma consequência aleatória das origens, do DNA e do caldo de cultura onde o artista se meteu.

Andrew Gifford - Landscape contemporâneo

Barco no Mississipi - OST 26x26cm

É sempre bom verificar que o Impressionismo se renova a cada geração e se mantém sempre contemporâneo.

Cena Urbana - OST 26x26cm

Andrew Gifford, nascido na Inglaterra em 1970, é reconhecido como um dos mais proeminentes paisagistas contemporâneos. O seu domínio da luz e as suas formas bem marcadas o configuram como um dos artistas que mais se arriscam no limite entre o figurativo e o abstrato, mantendo-se sempre na beira da gestalt irrealizada.

O artista em ação

Cada dia uma pintura

Se tem uma coisa que me dá prazer na vida é saber que sempre está chegando alguma encomenda pelo correio para mim.
Tintas, materiais, revistas e livros, ah os livros da Amazon...
Pois bem recebi semana passada o Daily Painting da Carol Marine, que é uma preciosidade.

Daily Painting

Carol, que trabalha em obras de pequeno formato, em quadrados de seis polegadas o que não dá nem 16 centímetros, defende que esta é a forma mais eficiente de você produzir arte - Pinte pequeno e sempre para se tornar um artista mais criativo, produtivo e de sucesso.

Rose Glow - OST - 6" x 6"

Ela diz que recebeu este conselho cedo em sua vida de artista, mas que não deu bola, continuando a trabalhar com formatos grandes e desanimadores
- e agora, o que é que eu faço com este fundo?
- puxa, mas já pintei 6 quadros este mê?
- será que vai dar tempo? até preparar tudo, vai estar na hora de ir embora...
Mas, depois de bastante tempo colocada em uma realidade onde só tinha chance de pintar enquanto o seu filho pequeno tirava suas sonecas, ela teve que se decidir, e resolveu que alguma coisa que levasse entre meia e uma hora e meia para fazer seria o suficiente. Além do que perder um quadro de 16 x 16cm não custa nada, né?

E nós todos sabemos que o que mais nos impede é o medo de errar...

Se errar, limpa tudo (ela pinta a óleo) e começa de novo. Ou simplesmente joga fora e faz outro.
Os seus motivos são majoritariamente naturezas mortas, escapando algumas vezes para a paisagem e para o plein air.
Na natureza morta de pequenas proporções (tem que ser pequeno para caber num quadro mínimo), o arranjo é facil, os materias são fáceis de arranjar, a luz é fácil, e o canto onde o arranjo vai ficar também é fácil de montar.
Mas vejamos por ela mesma o que ela defende como argumentos para pintar pequeno:

Intimidating - OST  6 x 6" - 2011

"Eu tenho dividido a minha história pessoal - e eu sou a prova viva que pintar diariamente pode mudar a sua vida e careira. Mas se você não está convencido disto, deixe-se lhe mostrar os prós e os cons de mudar para a atitude de pintar diariamente:

• Cabe no seu cronograma apertado. Nós temos vidas ocupadas. Nos trabalhamos e temos vida em família, e isto pode nos levar a um eterno processo de procrastinação no que se refere à pintura. Mas se você consegue encontra um canto (e pode ser um pequeno espaço já que o sistema de daily painting não tem porque mais área), o seu material pode estar sempre pronto, e você entrar no hábito de produzir uma pequena pintura todos os dias que não levaria uma hora para ser completada vai lhe parecer muito menos exaustiva.
• Você se torna mais disposto a se arriscar. Quando você só está trabalhando com trabalhos de grandes proporções, você sente muitas vezes uma compulsão para terminar as coisas logo, para que a obra vá logo para uma galeria ou exibição. COm esta mentalidade, pode se tornar difícil tentar qualquer tipo de real experimento. Mas, com pequenas pinturas que tomaram em torno de uma hora você pode tentar várias coisas todos os dias.
• Você está menos emocionalmente envolvido.  Quando você gasta dias ou semanas em uma pintura, é um sofrimento quando o resultado é desalentador. Quando você pinta diariamente e fazendo em sua maior parte pequenos trabalhos, perde rapidamente aquele senso de preciosidade que é a perdição dos artistas. Fica muito mais fácil dizer "Esta aqui não funcionou. Quem sabe a próxima..
• O processo facilita um crescimento rápido. Um dia você pinta e tem uma idéia de como poderia ter melhorado um pouco aquela pintura. No dia seguinte você tenta a nova idèia, mas resolve fazer um novo ajustamento. E no dia seguinte de novo e assim em diante. Quando você só pinta uma vez por semana, será incomum se lembrar como se deram as coisas uma semana atrás, inda mais quais foram os seus pequenos erros e acertos.
• Você sente menos medo. Quando sabe que estará trabalhando durante algum tempo em uma obra de grandes proporções, existe costumeiramente uma forte pressão para fazer aquela peça uma obra de mestre, e o medo correlato de que ela não venha a ser, que é o que acontece com o comum dos mortais. Com pequenas e rápidas telas existe muito menos pressão, o que termina por aliviar um bocado do medo que está em volta.
• Curte mais o processo. Quando sabe que estará trabalhando em um monte de pequenas pinturas, é muito mais fácil se sentir confortável no processo de criação e curtir o próprio processo de pintura (pintar por pintar). Você descobre que nem todas as pinturas funcionam mas que você está num processo de crescimento, e é este desafio pela melhora que torna o processo de pintar tão excitante.
• Ganha confiança. Conforme você melhora, e mais e mais pinturas funcionam, você desenvolve maior segurança em sua habilidade. Você pode até ser tentado a extranhas idéias como dar aulas ou viajar para ministrar workshops (quem sabe, né?)
• É menos tedioso.  Com uma pintura de grandes proporções existem comumente áreas que você se vê obrigado a preencher no background, o que lhe leva a perguntar qual a necessidade de pintar aquela coisa toda.
• Existe mais estrutura.  Se você pretende, e começa a pintar uma obra por dia, isto lhe obriga a adotar uma rotina em sua vida, onde provavelmente antes não havia. Quando a gente tem todo o tempo do mundo e nenhuma expectativa, isto nos leva a procrastinar, isto não soa familiar?
• Isto ajuda em seus trabalhos maiores.  Melhor de tudo, quando você decidir por realizar obras de maior porte você vai levar tudo que aprendeu com a rotina de "Um dia, uma pintura".

O texto acima foi traduzido livremente, das páginas 8 e 10 do livro da Carol Marine.

Quem quiser conhecer melhor o seu trabalho, visite http://carolmarine.blogspot.com.br/

Quem quiser adquirir o livro compre aqui (amazon.com)

Pink Flower, 34 x 40 inches, OST, 2004

Inté, amigos!

Sem o azul da paisagem

Já falamos muito das paletas reduzidas, sendo a mais famosa delas a Paleta de Zorn que, para quem não se lembra, é composta meramente de preto, branco, amarelo ocre e vermelho.
A utilização desta técnica, onde o azul não entra, sendo substituído com eficiência pelo cinza, não é comum entre os pintores de paisagem contemporâneos que preferem a amplitude de uma paleta com os azuis, amarelos de diversos tipos, violetas etc.
Há no entanto um pintor que vai para a paisagem e despreza o azul em sua paleta, obtendo efeitos formidáveis somente com o vermelho, o amarelo e o preto (ele sempre diz que o branco não é cor).

Ernandes mostra em baixo as cores que utilizou.

Trata-se de Ernandes B.Silva, pintor de Piracicaba, e amante do Plein Air, que é a modalidade de pintura em que o artista trabalha na própria natureza.

Notem a beleza dos verdes que são obtidos com a mistura do amarelo com o negro. Ernandes tem uma predileção pelo amarelo indiano da Lukas, o que confere aos verdes extrema vivacidade.
Um exercício que o professor Ernandes sugere é a mistura em diversas intensidades do amarelo com o preto. Ele preconiza que se utilize diversos amarelos desde o mais terroso como o ocre, até os mais luminosos como é o amarelo de cádmio claro, ou o amarelo limão.
Por último, veja-se a obra abaixo:

Vejam a beleza deste azul quase violeta das águas, que em verdade é inexistente, não passando de um cinzento, que se "azula", na adjacência de cores mais quentes, como o laranja avermelhado do matagal.
Inté!

Alexandre Reider e o Impressionismo Urbano no Brasil

Desde os tempos da Escola de Santa Helena, quando pintores como Aldo Bonadei, Rebolo, Alfredo Volpi e Mario Zanini pintavam a paisagem urbana paulista, variando entre seus telheiros e a placidez de seus subúrbios, quando em turma partiam para incursões de pintura ao ar livre, não tivemos mais nada de importância da paisagem urbana paulista até os dias atuais.
Nota-se, agora, uma preferência pelos motivos rurais, bucólicos, que não registram a agudeza e a urgência de nossas urbes.
Exceção à regra é Alexandre Reider que, jovem ainda, já se impõe no cenário da pintura brasileira.
Reider tem as características próprias de um pintor plein air, como a sua permanente atividade ao ar livre, e à preferência que dá às obras em pequenos formatos, típicas dessa pintura.
É inevitável, aliás, que as imposições do plein air, como a necessidade da obra ser completada à maneira alla prima, ou seja, em uma só sessão determine as suas reduzidas dimensões, somente ultrapassadas por alguns pintores que sacrificam o comedimento por alguma bravura na execução.
Mas, além dos motivos rurais, Alexandre Reider incursiona também no território, como já dissemos, pouco frequentado pelos impressionistas brasileiros, que é a paisagem urbana.

Oscar Freire x Galeno de Almeida, OST, 25x25cm

Em abril passado Reider realizou a individual Paisagem Urbana na Livraria Cultura da Av.Paulista, onde expôs um conjunto de obras onde, de acordo com o catálogo, a medida máxima mostrada foi de 20x45cm.

Catálogo da Exposição, 35 páginas, sem indicação de editora.

 A média dos tamanhos ficou em 25x25cm, havendo, inclusive, tamanhos menores.

Metrô Sumaré, OST, 16x22cm

Há que se trazer à atenção também que, dado o ângulo de algumas pinturas, as mesmas foram feitas a partir de fotos de referência, o que não desmente o que dissemos sobre as características de "pleinarista" do pintor Alexandre Reider.

Gourmet, OST, 20x40cm

Para conhecer melhor o seu trabalho, clique aqui. Reider mantém o atelier Plein Air Estúdio, onde diversos professores mantém a tradição do desenho e da pintura em sua melhor expressão.

Pintura Espatulada

Poucos pintores se arriscam na espátula pela dificuldade inicial de dominar a ferramenta. Mas ultrapassada a fase, os resultados são compensadores, com a pureza das cores e a tridimensionalidade obtida na superfície da tela.
Hoje trazemos dois russos contemporâneos que se utilizam da espátula, Alex Zaitsev e Daniel Volkov. Vejam que beleza:

Alex Zaitsev - River outskirts of town OST - 70 x 60 cm - 2007

 Alex Zaitsev - Air of Provence - OST 60 x 70 cm - 2006

Daniel Volkov - Tempo ruim - OST

Daniel Volkov - Summer Twilight - OST

A dica do Alex Zaitsev foi dada por Ricardo Ardente, pintor brasileiro. Vale a pena tentar, não?

Um exemplo de impressionismo da Austrália

É comum o pensamento de que o impressionismo se resumiu à região da França, o que não é de todo falso, até as últimas décadas do século XIX. A partir daí, no entanto, com o afluxo de artistas que vinham de todo o mundo, o impressionismo se espalhou, para a América, Russia, e aqui, como um exemplo, para a Áustralia.
Tomamos como exemplo do impressionismo australiano o artista Arthur Streeton(1867-1942).

Pastoral, 1895. OST

Streeton era filho de inglêses que se conheceram quando viajavam da Inglaterra para a Australia. Ele pintou a região em torno de Heidelberg, uma propriedade rural da qual ele se apropriou, segundo ele em nome da arte, e chamou de Eaglemont. Muitos outros artistas vieram pintar com ele neste local.

Golden Summer, 1889. OST

Streeton desenvolveu uma grande reputação em sua vida, com as suas obras permanecendo como as mais desejadas dentre as coleções da Austrália. Ele também pintou na Inglaterra e Veneza. Parece que Veneza sempre foi a paixão dos pintores, até os nossos dias. . Na I Guerra Mundial se juntou às forças australianas no Royal Army Medical Corps, se tornando num Oficial Artista, trabalhando principalmente na França.

Aqui se torna necessário um esclarecimento. Antes da era da fotografia, e ainda na I Guerra Mundial, os artistas documentavam com seus desenhos e aquarelas a situação no campo de batalha. Daí Streeton ter se tornado em um Oficial Artista.

The Purple Noons, 1896. OST

Em 1919 Streeton retornou para a Austrália, onde construiu uma nova casa e continuou a pintar. Em 1937 foi erguido à condição de Cavalheiro pela Rainha em função de sua atuação pelas artes.

Para mais informações, visite http://www.theartistsroad.net/articles/australianimpressionists

O Trabalho de Richard Robinson

Comecei a seguir este pintor neozelandês no final de 2012, quando, na "Universidade Youtube" me deparei com alguns demos de seu trabalho.
Despretencioso Richard Robinson mantêm o site http://www.livepaintinglessons.com/, e uma comunidade no Ning, chamada de http://thecompleteartist.ning.com/, a qual todos podem participar.
Muita coisa é dada gratuitamente, como o que pode ser conferido em http://www.livepaintinglessons.com/freelesson/Grayscale_Reference.php. Esta é uma das dicas de Richard, mostrando como desenvolver um estudo, a partir de uma foto em preto e branco. Vejam as fotos abaixo:

Foto Original

Esta foto foi reproduzida por ele em preto e branco, vista abaixo pregada no seu cavalete, já com pedaço da obra final aparecendo.
Notem o detalhe que ele colocou a obra em leilão, provavelmente para os assistentes, e ela foi arrematada por 155 dólares.

Foto do Setup armado para o trabalho. Observem os lances do leilão. Isto até poderia ser uma boa idéia para um evento aqui.

E abaixo, finalmente, a imagem da obra terminada.

Despretensiosa e eficiente.

É claro que existe o lado comercial, e você pode participar de seus workshops mensais que custam 20 dólares, para o pacote completo, ou somente 10 dólares se você quiser só o vídeo e as fotos de referência.
De vez em quando, estou lá participando. Os participantes votam, e o melhor estudo é eleito. A tela feita por Robinson é sorteada entre todos os que entraram no workshop.
Inté.

Corredeiras do Mumbaça, intenção ou intuição?

Corredeiras do Mumbaça - OST - 60 x 120cm

Pra dizer a verdade, eu me esqueci de perguntar a ele. Mas José Rosário em sua magnífica obra consegue levar o nosso olhar exatamente para o ponto de interesse, que é, em médio plano, o trecho em que uma cascatinha se forma ao passar teimosa entre duas pedras.

Pois intuição ou planejamento, o olhar do fruidor que deveria entrar no quadro pelo canto inferior e percorrê-lo placidamente até o remanso acima da corredeira - veja esquema abaixo - não funciona exatamente assim:

O olhar entra normalmente pelo canto inferior a esquerda, e deveria se
encaminhar, em uma sequência natural, para o canto superior direito onde
se encontra o remanso.

Pois não é isto o que a composição reserva ao apreciador.Veja como a obra é toda desenvolvida obedecendo a verticais e horizontais que se cruzam diagonalmente.

Veja como a obra é toda desenvolvida obedecendo a verticais
 e horizontais que se cruzam diagonalmente.

E o que acontece é que o olhar é aprisionado no encontro de duas dessas diagonais que se entrecruzam, exatamente em um ponto onde a tensão é maximizada pelo artista com um contraste entre a espuma da pequena cascata e o negror da pedra ensombrecida.

Muito bom, não é?

Vale visitar o blog do José Rosário, uma verdadeira enciclopédia de pintores paisagistas, brasileiros e portugueses.

Giuseppe Abbati, impressionista italiano

Por aqui, conhecemos os impressionistas franceses do século XIX e mais modernamente os americanos, que mostram o seu trabalho na internet.

O impressionismo, no entanto, grassou em outros países, principalmente Russia e Itália.

Diversos pintores se agruparam na Itália na segunda metade do século XIX e começaram a trocar idéias e a pintar juntos. Destes pintores, um que apesar de sua vida atribulada e trágica conseguiu produzir belas obras foi Giuseppe Abbati.

Ponte Alle Grazie em Florence

Abbati nasceu em Nápoles, e iniciou ainda cedo seu treinamento em pintura com seu próprio irmão, Vincenzo. Ele participou da campanha de Garibaldi em 1860, quando perdeu seu olho direito na Batalha de Capua.

Costa com bois pastando

Retornando da guerra, se mudou para Florença, onde, no Café Michelângelo,conheceu Giovanni Fattori, Sivestro Lega, e o resto dos artistas que mais tarde vieram a compor o grupo Macchiaioli.

Suas primeiras pinturas eram interiores, mas ele logo se viu atraido pela pintura ao ar livre.

Sua atividade como pintor foi interrompida novamente durante 1866 quando, mesmo cego de um olho, ele se alistou novamente para a Terceira Guerra de Independência, quando ele foi capturado pelos Austriacos e mantido preso na Croácia.

O Rio Arno na região de Casaccia

Retornando à vida civil com o final da guerra no final do ano, ele se mudou para Castel Nuevo de la Misericordia e passou o último ano de sua vida pintando o interior da Itália.

Abbati morreu aos 32 anos, após ter sido mordido por seu próprio cachorro, que o infectou com a raiva.

Stuart Schil - No limite da abstração

Os pintores que liberam a sua pincelada como Simon Addman e Roos Schuring, caminhando em direção ao que a própria Ross chama de “Realismo Abstrato”são os que, por sua economia de pinceladas, definindo a forma quase que em sugestões, mais se aproximam dos novos paradigmas da pintura figurativa.

Esta pintura, feita sempre de uma maneira alla prima, imediata, tem uma atitude do ou tudo ou nada, ou como o que Stuart Schils chama de “on the first attempt”, em uma só estocada, em uma só tentativa.

Errou, joga fora, tenta de novo. Pintar sem medo de ser feliz (façam o que eu digo e não...).

Mas existe uma região mais além, no limite em que a forma quase desaparece, daquelas pinturas onde as figuras pouco se destacam do fundo, no pudor do artista em mostrá-las.

Estamos falando de Stuart Shils, que opera neste limite, as vezes escapando para o outro lado, as vezes ficando ainda do lado de cá, mas sempre nesta região fronteiriça.

Stuart Shils, nascido na Philadelphia, USA, em 1954, estudou na Pennsylvania Academy, Philadelphia College of Art e na Universidade de Temple. É membro da Academia de Pintura, onde também dá aulas.

Ele tem pintado paisagem já por mais de 25 e cinco anos. O seu trabalho tem sido apresentado em individuais em Philadelphia, New York, Tel Aviv, Boston, San Francisco e em Cork, Irlanda. Ele também tem seu trabalho mostrado em grandes galerias como Tibor de Nagi e Davis and Langdale, ambas em Nova Iorque e na galeria Hackett-Freedman, em San Francisco, USA.

A guimba de Pollock

Uma figura central do modernismo, o americano Jackson Pollock (1912-1956) teve influências dos muralistas mexicanos Orozco, Rivera e Siqueiros, e dos pintores modernistas europeus Picasso, Mondrian e Miro.
Pollock desenvolveu o automatismo dos Surrealistas, numa maneira mais instintiva e pessoal que foi associada ao expressionismo abstrato americano.
Com o tempo, ele desenvolveu uma técnica de gotejar, ou atirar tinta na tela com o pincel. Trabalhava com a tela no chão, e sua forma de pintar terminou sendo conhecida como “action painting”, ou pintura de ação, onde as imagens emergem durante a execução da pintura, muito mais do que como formas preconcebidas.
Há alguns anos atrás, uma pintura de Jackson Pollock precisou ser restaurada em função de alguns trechos que estavam descascando. A enorme pintura, do tamanho de uma parede foi retirada e inspecionada.
Nesta inspeção, os restauradores encontraram uma inesperada guimba de cigarro! O pior é que a guimba estava se soltando, e ameaçava cair do quadro, levando um trecho de pintura junto.
O que fazer? Como é que se restaura uma guimba de cigarro? Pesquisando, terminaram descobrindo que a marca que Pollock fumava era Lucky Strike.
Fico me perguntando quantos cigarros os restauradores tiveram que fumar até conseguir uma guimba igual...

Convergência OST, 1952,  237 x 393 cm